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英国雕塑家安东尼葛姆雷讲座从身体到艺术创作

中国人像雕塑大师_人物雕塑大师_知名雕塑人像/

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雕塑艺术有着几千年的历史,在不同的时代、社会环境下有不同的诠释。 其中,就有英国当代雕塑大师安东尼。 安东尼·葛姆雷的雕塑从身体意象出发,探讨人体、建筑和自然环境之间的关系。 作品的视觉语言简单而敏感,触动心灵。

近日,葛姆雷应香港国际艺术展邀请来到香港。 香港英国文化协会与香港艺术馆合作举办题为“从身体到艺术创作”的讲座,吸引了近200名本地艺术家、学者和艺术从业者参加。 。 除了报告厅外,近百位市民聚集在美术馆大厅观看直播,展现了演讲者及其作品的魅力。

葛姆雷谈到了他过去25年的艺术创作,其中大部分以身体为题材。 很多时候,他甚至以自己的身体为原型进行创作。

单体可塑性

葛姆雷说,他从小就对身体的空间感兴趣。 1971年至1974年赴印度考察。 旅途中,他看到很多当地人裹着床单露宿街头。 对他来说,床单下的身体就像一件雕塑和建筑结构。 这激发了他探索身体的灵感。 回国后,他邀请朋友们用纯色床单裹住身体,摆出不同的姿势。 他用最简单、最快的方法,将人体转化为不同类型的雕塑,创作了《睡觉的地方》(1973)等作品。 无疑,这为他日后探索“身体所在”和“身体作为场所”奠定了良好的基础。

二、身体和房间

随后,葛姆雷通过展示不同类型的肖像来探索身体与房间之间的关系。 《田野》(1984-85)展示了最简单的方法,就是将人物雕塑的手水平延伸到房间的两端,使其接触墙壁,产生视觉和空间的张力。 这种效果不仅给人一种突破房间限制的感觉,同时也引导观众思考人体比例与房间的关系。 通过改变肖像的形式,葛姆雷丰富了利用身体作为创作媒介的可能性,这比简单地将身体包裹在布料中具有更大的发展潜力。

除了改变人体比例之外,葛姆雷还尝试改变人物的动作。 他曾经铸造过一个坐在房间角落里的人物。 人物的双手沿墙壁向上伸展,双脚张开靠近两侧墙角边缘,使手脚的方向形成三维直角关系。 虽然肖像的动作极其不自然,但它却引导观众重新思考自己与房间的关系:身体并不一定独立存在于房间中,有时可以根据其框架塑造成新的状态(身体是房间的一部分)。结合建筑空间)。 。

在《画》(2000/2007)中,葛姆雷进一步复制了人形雕塑,并将它们放置在房间的四个角落——有的倒置,有的侧置。 高高悬挂的人物以反重力的状态展现在观众面前,仿佛在极力将观众的注意力吸引到房间里每一个被忽视的空间。 此外,艺术家在雕塑表面刻意保留了模型接缝和注铜的痕迹,既强调了其工业化生产的形体,又提醒了观众其艺术品味。

三、主体与建筑元素

除了改变肖像的形式外,葛姆雷还将建筑元素引入展览场地,丰富观众“观看”作品的体验。 较早的做法是在展厅内展示方盒装置,让观众进入。 由于装置是按照人体尺寸建造的,观众进入时会感到身体受到限制。

另一种更抽象的方法是根据建筑物的外观将人体转化为复杂的结构,并将其水平放置在展厅中。 人体结构高六米,让观者从侧面和下方穿过,探索建筑结构与人体的关系。 《苍穹》(Firmament,2008)进一步用金属钢筋构造人体,改变了人体的真实与现实。 由于整个作品采用多边形三维结构构建,内部是中空的,可以让观者在里面行走探索。 艺术家通过不同的建构材料和手法,改变了肖像的外观及其与观众的关系,进一步实践了“身体即空间”的概念。

四、身体与房间能量

葛姆雷对人体艺术的探索永无止境。 除了借用上述建筑结构来丰富人物形象外,他还利用没有稳定结构的方法来改造人的空间。 在《感觉材料》中,斯一遍又一遍地完成作品。结果,人体的面貌和独立性被分解,与周围的空间结合成一个能量场,同时也给房间的空间注入了能量。观众在人体雕塑中走动的“动作”与作品中所展现的能量相呼应,比上述修改身体结构的方法更能影响观众的情绪。

对于葛姆雷来说,这种方法可能还不够。 他进一步将“线圈人”分解成线圈,使它们看起来像是在房间里盘旋。 观众对这部作品的态度各有不同:有的不愿意踏入线圈,只站在外面远远地观看;有的则不愿踏入线圈,只在外面远远地观看;有的则不愿踏入线圈,只在外面远远地观看。 其他人主动进入,发现了这个空间的陌生。 对于艺术家来说,后者成为作品的一部分,成为其他观众观看作品时的视野。 通过拆解人体,葛姆雷改变了作品与观看者身体之间的关系。

五、身体与城市的关系

除了展览空间之外,葛姆雷还对城市空间感兴趣。 “事件地平线”(2007-10)是一系列放置在建筑物屋顶和城市中心的玻璃纤维人物。 它最初在伦敦泰晤士河两岸展出。 讲座期间,葛姆雷展示了2010年的《事件视界》。 Critical 拍摄的纽约市中心照片,包括广场中心和著名摩天大楼 – 帝国大厦和熨斗大厦的顶部。 肖像画一般没有特殊的表情或动作。 他们只是呆呆地“站”在大街上或者楼顶上,吸引路人的目光。 路人在日常生活中邂逅葛姆雷的肖像,成为作品的观众。 然而,他们往往无法掌握创作这些肖像的动机,只是停下来,呆呆地看着作品的方向。 但对于艺术家来说,通过将作品重新安置在城市中,激发人们对被忽视的城市空间——广场中心和建筑轮廓的关注,让人们以新的视角和节奏体验自己的城市。生活(新的空间和时间感)。

六、身体与自然的关系

如果观众觉得上面的方法有点猫腻,那么最后一种创作方法就比较感人了。 葛姆雷展示了十几张安装在自然空间中的人物照片,包括西澳大利亚和德国库克斯港的海滩。 以前的《澳大利亚内部》(2002-3)的形象更加抽象,51座雕像相距750米排列在银白色的沙滩上。 雕像虽然不少,但在浩瀚之中却显得相当渺小。 由于作品已经与环境融为一体,观众在沙子上的脚印也可视为在作品上留下了一定的痕迹。 《另一个地方》(1997)中的100座雕像平均间隔500米排列,它们都看向大海的同一方向。 退潮时,身影挺立在沙滩上; 当潮水上涨时,人影与海水融为一体。 此类雕塑创造了艺术雕像矗立在自然中的场景,并随着时间的推移而变化,在其上显现出自然的痕迹,加强了人与自然的融合。

对于葛姆雷的艺术之旅来说,90分钟的演讲是不够的。 他从身体意象出发,探索利用不同的材料和方法来创作人体雕塑,并通过不同的展示空间来改变观众的认知。 这说明他对自己的身体和环境极其敏感。

后记:身体与艺术的来龙去脉

如果把葛姆雷的艺术创作放回到他的时间和空间中,也许会更容易理解为什么他对身体和空间如此着迷。 20世纪60、70年代,许多欧美艺术家开始对身体产生兴趣,并从事对身体和行为艺术的探索,比如约瑟夫。 博伊斯(约瑟夫·博伊斯,1921-1986)和维托。 维托·阿孔奇(Vito Acconci,1940-)等人。 此外,那个时代的一些欧美艺术家也开始对自然产生兴趣,比如罗伯特。 罗伯特·史密森(1938-1973)等“风景艺术”利用自然作为创作空间。 葛姆雷对人体和空间的探索可以说延续并丰富了这两条线索,同时也彰显了他的个人理想:艺术不应该被图像和故事元素所主导,更不应该受到艺术机构和市场的影响; 成为生命的一部分,以最基本的方式探索人类的存在和未知的世界(地平线)。